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domingo , agosto 19 2018
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#Música / Por debajo del radar

Por Fernando Infante Lima

En estos tiempos de vértigo, discusión política y humores atribulados, existe la posibilidad de ensayar una prueba fuera de programa, una pequeña vía de escape. Hay música para oídos exigentes que el mercado no ha tenido en cuenta, música que se ha perdido en los pliegues tecnológicos y que desde “La Señal” vamos a intentar rescatar.

Un año que ha recibido nuevos discos destacados en cada género de artistas tan diversos como Bjork, Blur, Brian Wilson, The Waterboys, Wire, The Oh Sees, Muse, Paul Weller, Jeny Hval, Sonny Landreth; los trabajos en colaboración de Merzov-Xiu Xiu, Ryuichi Sakamoto-Illuha-Taylor Deupre, el jazz de Ebenhard Weber, Tore Johansen, Jakob Bro y Rob Mazurek Exolding Star Orchestra

01- Martin Newell / Teatime Assortement
Martin Newell es un artista inglés, un tanto excéntrico, que cree en el valor de una canción.

Su talento reside en escribir composiciones simples, elegantes, enfundadas en bellas melodías, levemente contagiosas, lo suficiente para captar la atención, lo insuficiente para ser un éxito. El espíritu de Ray Davies, Andy Partridge y Robyn Hitchcock sobrevuela su música

“Teatime Assortment” revisita 24 composiciones publicadas previamente que abarcan el período 2010-2014. Un paseo por caminos abiertos, contaminado por rastros de psicodelia, instrumentaciones atmosféricas e historias encantadoramente lánguidas. Un surtido fiable y lleno de sorpresas.

Su acento marcadamente inglés, que por momentos puede parecer exagerado, transforma a este disco en la banda de sonido ideal para recorrer la costa del Tamesis en una tarde lluviosa.

02- Robert Fripp-David Cross / Starless Starlight
El Guitarristas Robert Fripp y el violinista David Cross vuelven a unir fuerzas después de 40 años de seguir caminos separados. El disparador de esta unión se dio cuando David Cross escucho un concierto de Robert Fripp en el cual rescataba una vieja pieza “Starless”, compuesta por el para el álbum “Red” de King Crimson en 1974.

“Starless Starlight” es un viaje de exploración sonora que suma 8 composiciones abiertas a la improvisación, teniendo siempre al tema “Starless” como principal referencia. El menú está supeditado a las posibilidades de la guitarra de Fripp y el violín de Cross, únicos músicos participantes, a su conocimiento del instrumento, al virtuosismo de su interpretación. La tecnología permite que los músicos se apoyen en una rica paleta tímbrica, aquí el diseño del sonido tiene una importancia capital, ya que manejan los cambiantes climas que los paisajes sonoros ofrecen.

Fripp y Cross entregan un trabajo valioso, pleno de ideas, construcciones armónicas y bellas melodías. Una invitación a abandonarse a una viaje de sonidos envolventes y abrasivos.

03- Savina Yannatou-Primavera en Salónica / Songs of Thessaloniki

La exquisita cantante griega Savina Yannatou y su virtuoso grupo Primavera en Salónica ofrecen un disco que celebra el cruce de culturas de su ciudad natal: Thessaloniki.

La ciudad, cuna de viajeros, inmigrantes y refugiados, fue habitada por judíos, sefaradís, búlgaros, turcos, serbios y armenios; que convivieron en armonía hasta el final de la primera guerra mundial.
Es difícil hacer justicia en un trabajo de exploración transcultural, que suma diferentes instrumentaciones, amplios conocimientos de música, que revisa tradiciones y creencias religiosas, se trata de una pesada carga que este álbum lleva a buen puerto.

La inmensa expresividad de la voz Savina Yannatou, su capacidad para sumergirse en la esencia de cada canción, de interpretar en distintos idiomas, de encontrar el tono necesario en cada caso; sumado a el enorme trabajo de instrumentación del director

Primavera en Salónico, el multi-instrumentista Kostas Vomvolos, que elaboro minuciosamente el registro, los silencios, los climas y texturas que visten las composiciones, hacen de “Songs of Thessaloniki” un disco de audición imprescindible.

04- Pablo Marquez / El Cuchi Bien Temperado

“El Cuchi Bien Temperado” puede interpretarse como un estudio de la valiosa obra de Gustavo “el Cuchi” Leguizamón. Es posible que sea más que una simple revisión crítica de su trabajo, que una justa puesta en valor de un compositor imprescindible de la música popular que es raramente reconocido en toda su dimensión.

El abordaje del virtuoso guitarrista Pablo Marquez, un concertista de primer nivel y prestigio internacional, es respetuoso de la esencia folklorica de sus composiciones. Se trata de un músico que ha dedicado su energía a visitar la música argentina en general y la de Salta, su tierra natal, en particular. Su familiaridad con las piezas del Cuchi se remonta entonces a su más tierna infancia y su trascripción, su cuidada elaboración, eleva su música a una nueva dimensión. Se sabe que la cruza de la academia con el arte popular no siempre llega a buen puerto y este es el principal mérito de Pablo Marquez.

“El Cuchi Bien Temperado” es un disco que puede seducir por igual a quienes buscan ahogarse en la solemnidad de la música de cámara y para aquellos que siguen la terrenal huella de la tradición folklórica.

05- Jim O’Rourke / Simple Songs
Jim O’Rourke es una figura emblemática de la escena alternativa norteamericana, un músico inquieto que ha trabajado en distintos registros, siendo quizá el noise su terreno de dominio, pero con un arco abierto lo suficientemente elástico como para sumergirse en discos de bandas esenciales como Sonic Youth y Gastr del Sol.

Las simples canciones a las que alude el título refleja el contenido de su nuevo disco en solitario. Es una colección de composiciones con una estructura clásica, vestidas con una instrumentación variada y más trabajada que en su disco anterior de canciones, el imprescindible “Eureka” de 1999. Las bellas melodías ganan la partida desde el primer acorde, crean climas y preparan la atmosferas necesarias para las historias y el manojo de sentimientos que respiran las canciones. Hay una intención en subrayar los contrastes entre el cinismo de sus letras y la inusual prolijidad en la instrumentación que le aporta una riqueza expresiva inédita a su música.

Un disco de algo tan elemental como difícil de conseguir: un puñado de buenas y simples canciones.

06- Holly Herndon / Platform
La artista Holly Herndon ha hecho de la experimentación una forma de vida. Un vehículo de expresión multicultural caótico y fragmentario, que pretendidamente o no, va en línea con los cambios en la forma de comunicación interpersonal. Así la voz aparece editada, en piezas incompletas, en muestras que solo tienen valor dentro de un esquema predeterminado. El ruido tiene aquí el valor de una intervención, una intervención ajena que no reprime la fluidez en la interpretación, es un instrumento más que hemos asimilado al cotidiano. El desarrollo de la música electrónica permite que todo lo que escuchamos en esta “plataforma” sea un software de un laptop, un hecho que no solo no invalida las cualidades del disco, por el contrario las resalta, basta tener en cuenta que la mayoría de las personas en el mundo se encuentran 15 horas diarias frente a las pantallas. Un método de trabajo y un discurso que puede ser visto como una reflexión o una (auto)crítica en el plano social y que puede contener inclusive alcances políticos. Hay paisajes fríos, destemplados y otros comprometidos, emocionales, en sintonía con las relaciones humanas. La vida es la que transcurre a través de la portátil de Holly Herdorn y hacen de “Platform” uno de los mejores discos del año.

07- Oren Ambarchi-Jim O’Rourke / Behold
Oren Ambarchi y Jim O’Rourke son dos figuras claves del avant garde. El rango de su ejecución va desde el free jazz al post rock, pasando por el ambient, la contemporánea, el noise y la música electroacústica, en una ensalada sonora donde la experimentación es el ingrediente clave.

“Behold” es un única pieza de 42 minutos de duración divida en dos largas secciones. Es el resultado de la utilización de múltiples técnicas de la que estos músicos se valen, que incluyen la grabación de zapadas en tiempo real, la libre improvisación en distintos pasajes, la técnica del collage para resaltar los mejores momentos y la introducción de grabaciones adicionales para subrayar rasgos puntuales.

Un trabajo que en una primera audición puede ser erróneamente sospechado de simplicidad, sin embargo en el detalle radica su principal riqueza. Hay elementos que persisten en un plano de grabación medio y que suman texturas, tonos, humores. Se perciben como gotas que salpican la composición, que lejos de ser una intervención ajena, se transforman en piezas vitales que la completan.

La música evoluciona gradualmente y crea la sensación de un viaje sin prisas ni pausas, hay un ambiente de ensoñación que gana la escena.

“Behold es una invitación a zambullirse, a nadar en contracorriente, a perderse en una marea que se instala y resiste, que continua sonando una vez que el disco ha llegado a su fin.

08- Gidon Kremer-Kamerata Báltica / New Season

Gidon Kremer es considerado uno de los mejores violinistas del mundo. Educado y formado en la clásica, a mediados de los 90’s establece una apertura que lo llevaría a redefinir sus prioridades poniendo el foco en los compositores de la contemporánea, amén de una licencia que se tomó para trabajar sobre un par de obras de Piazzolla.

La Kamerata Báltica es una formación abierta que ha sido creada por el propio Kremer en busca de tener un ensamble que le permita abordar una dinámica de trabajo con cierta estabilidad y centrarse en el estudio de las obras a representar.

“New Season” tiene un programa muy interesante, la primera parte la ocupa el Concierto para Violín “American Four Seasons” de Philip Glass (un compositor que empieza a ser interpretado cada día más), que tiene un anclaje más cercano a las “estaciones” de Piazzolla que a las de Vivaldi. Una obra dividida en 8 piezas plenas de texturas y un movimiento armónico muy variado.

La segunda parte del programa contiene tres obras de tres diferentes compositores. En primer lugar la bellísima “Estonian Lulaby” de Arvo Part, una canción de cuna para cuerdas y coro. “Ex Contrario” de Giya Kancheli es una pieza introspectiva que reboza paz y melancolía. El cierre es con una composición que respira aires de tango, se trata de “Yumeji’s Theme” de Shigeru Umebayashi extraída de la banda de sonido de la película “Con Ánimo de Amar” de Wong Kar Wai.

Gidon Kremer y su Kamerata Báltica nos pasea por estas “nuevas estaciones” transformándolas en una nueva apuesta ganadora.

09- Julia Hulsmann-Theo Bleckman / Clear Midnight: Kurt Weill & America

El repertorio de canciones de Kurt Weill ha sido visitado por grandes artistas del jazz, desde Ella Fitzgerald a Louis Armstrong, en trabajos de una calidad indiscutible. El desafío de la pianista Julia Hulsmann y su cuarteto era abordarlo desde una perspectiva diferente, incorporando el sutil cinismo que se encuentra en el espíritu de cada canción. El tono sombrío, el uso deliberado del mid tempo, la instrumentación estudiada, cuidada al detalle gracias al talento como arreglador del bajista Marc Muelbauer, el destacado trabajo del trompetista Tom Arthur y el piano de Hulsmann que todo lo cubre y contiene, forma parte de esta particular relectura. El socio ideal para este proyecto es el vocalista Theo Blackmann, que ha sorteado exitosamente una amplia gama de géneros. Su sensibilidad, su expresividad, el dominio de su instrumento, es decir la voz, es verdaderamente increíble. Su capacidad le permite imprimirle a las composiciones una amplia gama de tonos, de matices, consigue personificar los sentimientos que atraviesan la canción.

“Clear Midnight…” no se centra únicamente en la obra de Weill, en la mitad exacta del álbum aparece un programa de tres composiciones inspiradas en poesías del gran Walt Whitman.

Julia Hulsmann y Theo Blackman consiguen revivir y visitar desde una nueva óptica la obra de artistas imprescindibles que han vencido al tiempo.

10- Lenine / Carbono
Lenine resume, contiene el bagaje cultural de un país extremadamente rico, variado en su cultura y que encuentra en la música una expresión directa que contagia en la primera audición. Se trata de un maestro alquimista que sabe preparar los mejores brebajes en las proporciones adecuadas. En su música hay frevo, samba, manguebeat, rock, reggae, baiao, todo mezclado y un acento melódico que refleja el alegre sol que ilumina a Brasil en un extremo, en el otro la intimidad melancólica que suena bella y sin estridencias. Las caras de una moneda dinámica, cambiante y que no para de girar en círculos precisos, que retrotraen las críticas sociales, la conciencia ecológica y las denuncias políticas que Lenine eleva desde la edición de “Labiata” en 2008.

El carbono es un elemento esencial para la formación de vida en la tierra y en la variada forma de organización del universo, concepto gravitante para un músico que es también ingeniero químico. Una muestra natural que Lenine intenta llevar a la práctica con su música, se puede percibir la organización, las formas de vida y las leves tensiones del mundo que tiene a su frente.

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